Es ist die wahre Geschichte von Aron Ralston, der bei einer Klettertour durch den Bluejohn Canyon in Utah in eine Situation gerät, die ihn zum Äußersten zwingt, um zu überleben. Er ist eigentlich kein Anfänger, der Canyon ist für sowas wie ein zweites Zuhause. Doch auch der erfahrenste Kletterer ist nicht vor Fehltritten – oder in diesem Fall Fehlgriffen – sicher. Aron versucht Halt an einem größeren Felsbrocken zu bekommen, doch dieser kommt in Bewegung und stürzt mit dem Kletterer in die Tiefe. Dabei verkeilt sich der Stein in er engen Felsspalte und klemmt Arons Arm mit ein. Niemand weiß, wo sich Aron befindet, auf Rettung ist in dieser Situation nicht zu hoffen. Anfängliche Versuche, den eingeklemmten Arm, oder den festsitzenden Stein in Bewegung zu bringen, erweisen sich schon bald als hoffnungsloses Unterfangen. Allmählich neigen sich Arons Vorräte dem Ende zu und das Unausweichliche rückt immer näher – wie weit ist Aron bereit zu gehen, um zu überleben? Sein rechter Arm für sein Leben…

Filme, in denen wenige oder gar nur ein Schauspieler die ganze Zeit über präsent sind und die gesamte Narration tragen (müssen), gibt es haufenweise. Doch selten ist ein Film derart zentriert und fokussiert auf nur einen Charakter an nur einem, sehr engen, kleinen Handlungsraum. Tom Hanks hat in “Cast Away” schon meisterlich diese One-Man-Show umgesetzt, ihm blieb dabei aber immerhin noch eine ganze Insel, die im Film für Abwechslung sorgte. In “127 Hours” dagegen bleibt die Kamera nicht nur an Aron, absolut grandios gespielt von James Franco, kleben, sondern auch der Handlungsort gibt dem Zuschauer über weite Teile des Films nicht mehr Sicht frei, als Aron diese, tief unten in der Felsspalte hat. Man hätte den Film auch deutlich dramatischer umsetzen können, hätte neben den verzweifelten Versuchen Arons, wieder frei zukommen, auch eine Aussensicht zeigen können, etwa wie die Eltern sich besorgt auf die Suche machen, man sich auf Arbeit wundert, das Aron nicht erscheint und nicht erreichbar ist. Auf all dies verzichtet der Film jedoch und es tut ihm gut. So verbleibt die Kamera nahezu die gesamte Zeit, mit Ausnahme von einigen Erinnerungssequenzen und Halluzinationen, dort unten bei Aron und Regisseur Danny Boyle leistet fantastische Arbeit, dass die Einzelshow von Darsteller Franco nicht langweilig wird.

Die typische Handschrift von Boyle lässt sich auch in diesem Film überdeutlich wiederfinden. Gleich zu Beginn geht es ebenso rasant los, wie man es zuletzt beim ausnahmsweise mal völlig zu recht mit Preisen überhäuften “Slumdog Millionaire” gesehen hat: Dank Splitscreens, die das Auge des Zuschauers zugleich herausfordern und überfordern werden wir mitten hinein geworfen in das Geschehen und angesteckt von der Euphorie Arons, der es kaum erwarten kann, die Weite der Natur auszukosten. Und eben diese Natur ist schließlich, neben Aron, der zweite, heimliche Hauptdarsteller des Films, den Boyle einmal mehr in traumhaften Bildern, die alsbald zu alptraumhaften Bildern, werden einfängt. Und es sind eben jene Bilder, die Boyle immer schon auszeichnen, ganz egal ob im eben schon erwähnten “Slumdog Millionaire” oder im unberechtigterweise weit weniger beachteten “Sunshine”.

Neben tollen Bildern, die sicherlich auch andere auf die Leinwand hätten zaubern können, schafft es der Regisseur und natürlich sein James Franco, dass es zu keiner Zeit langweilig wird – und dies obwohl man von Anfang an eigentlich weiß, worauf dies hinausläuft. Doch gerade die Idee, hier nicht mit Umschnitten in die übrige Welt zu schalten, sondern immer bei Aron zu bleiben, macht die Wucht des Films aus. Stets organisiert und professionell kann man mit Ansehen, wie Hunger, Hoffnungslosigkeit und die zunehmende Dehydrierung Aron immer mehr an den Rand seiner Möglichkeiten und in den Wahnsinn treibt – vielleicht ist es auch dies, was ihn am Ende zum eigentlich Undenkbaren, ungeheuer schmerzlichen Höhepunkt treibt. Das Publikum leidet und hofft somit 90 Minuten mit ihm. Aron dagegen kämpfte 127 Stunden ums Überlebenskampf, bis er sich aus eigener Kraft selbst befreien konnte. Ein kraftvoller, mitreißender Film!

Ist es nicht gut zu wissen und zu sehen, dass das Kino noch jene emotionale Kraft haben kann, für die man es einstmals bewunderte? Gerade vor dem aktuellen Hintergrund, da zunehmend 3D die Qualitäten des Kinos auf rein optisch-visuelle Ebenen verlagert und alles andere vernachlässigt wird und – auch ohne 3D – Filme, wie “The Mechanic” die Sinnlosigkeit amerikanischer Großproduktionen eindrucksvoll zur Schau stellen, wirkt “Never let me go”, wie “Alles, was wir geben mussten” im Original heißt, wie ein Leuchtturm der Kinematographie.

Es ist zudem sicherlich ein absoluter Glücksgriff, das Mark Romanek die Regie für diesen Film übernommen hat. Er selbst hat Johnny Cash mit der Regie beim Videoclip zum Titel “Hurt” noch zu Lebzeiten ein Denkmal gesetzt, dass auch nach dem 50. Ansehen noch zu Tränen rührt. Ganz ohne Rasanz, Verfolgungsjagden und Explosionen schafft es dieser Film von Anfang an, sein Publikum mitzunehmen, gerührt zu sein – man ist betroffen von all der Traurigkeit und gleichsam der Hoffnung, die dieser Film vermittelt. Von Beginn an weiß man als Zuschauer vom Schicksal der Kinder in Hailsham und merkt nur allzu schnell, worum es in diesem Film eigentlich geht: Es ist nicht das Science-Fiction-Element, das diesem Film lediglich als Grundkonzept für die Handlung dient, hier geht es letztlich um nichts geringeres als das Leben selbst. Und dies betrifft nicht nur die drei Protagonisten des Films in ihrem vorher bestimmten Weg, dies betrifft uns alle. So kommt man nicht umhin, früher oder später während des Films die Gedanken auch um das eigene Leben kreisen zu lassen.

Und letztlich, im rührenden Plädoyer von Kathy am Ende des Films, wird ohnehin deutlich, dass sich jeder angesprochen fühlen sollte. Kathy ist froh und stolz auf das Leben, das sie hatte, auf die Freunde, die sie gefunden hat und die Liebe, die sie erleben durfte. Gleichsam bereut sie die Zeit des Streits mit denen, die ihr am Wichtigsten waren und sind. 10 Jahre hat sie dabei verloren…Wir alle müssen irgendwann sterben, doch das Leben ist nicht zu kurz, es kommt darauf an, was man daraus macht, solange man die Möglichkeiten dazu hat. So kann und muss man sich nach diesem fabelhaften, eindrucksvollen Film auch selbst wieder daran erinnern, denjenigen, die man liebt und schätzt dies hin und wieder auch mal zu sagen.

“Alles, was wir geben mussten” startet am 14. April in den deutschen Kinos.

Der Trailer, den man hier nun zeigen könnte, lässt bereits Vieles erahnen von dem, was man ohnehin erwarten wird. Doch besser noch, als der Trailer vielleicht Lust auf das Ansehen des Films macht, kann dies folgender Teaser, welcher uns zurück führt in die Zeiten von Fargo. Bitte schön:

Mehr zum Film demnächst hier.

Und weil man den Trailer dennoch gesehen haben muss, um festzustellen, dass man auch den Film unbedingt gesehen haben werden will, gibts nun auch noch den Trailer in HD, deutsch und nur für meine getreuer Leserschaft:

Der schönste Einsatz von Computern in Filmen zeigt sich immer dann, wenn man eben diesen Einsatz gar nicht wahrnimmt: Dies vermochte schon Robert Zemeckis in “Forrest Gump” sehr eindrucksvoll zu beweisen, wo den meisten Zuschauern wohl gar nicht bewusst ist, wieviele Bilder hier aus dem digitalen Universum stammen. Noch viel schöner wurde es bei David Finchers inzwischen wohl schon legendärem Dolly-Shot, bei dem zwar klar ist, dass hier ein Computer zum Einsatz kam, der Film jedoch wohldosiert damit umzugehen weiß und das filmisch reale Bild nicht zunehmend verdrängt wird:

Dann gibts aber wieder Regisseure, wie Tarsem Singh, die Filme wie “The Fall” machen, die zwar aussehen, als würde der Computer helfend zur Seite stehen, tatsächlich aber (nahezu fast) Alles ohne digitale Zuarbeit auskommt. Und am Ende bleibt doch bislang stets die Frage, ob der Film den Computer braucht und wenn ja, in welchem Maße? Fluch oder Segen? Eine wirkliche Antwort war bislang nicht möglich. Bislang! James Cameron wagt den Versuch der längst überfälligen Aussöhnung beider Medien, die gern die Hoheit auf der Leinwand für sich allein beanspruchen wollten. Seine Antwort: Die Leinwand ist groß genug, es ist genug Platz für alle da.

Perfekt ist die neue Freundschaft noch nicht, aber es ist ein gigantischer Schritt in die richtige Richtung gemacht. Cameron hat selbst seit Jahren an den erforderlichen Weiterentwicklungen der Software für den Einsatz am/im/beim Film Hand angelegt und “Avatar” ist in diesem Sinne das erste, durchaus beachtenswerte Produkt dieser Arbeit. Ein Problem bleibt: Die Handlung ist nach wie vor dürftig und dies scheint, vor allen Dingen in Hollywood nach wie vor ein großes Problem: Gute Animationen im Film suchen bislang vergeblich nach guten Inhalten. So hat auch “Avatar” durchaus einige, teils gravierende logische Löcher, die selbst durch die wundervollen Bilder nicht vergessen gemacht werden können. Und dennoch: Es wird tatsächlich endlich mal eine durchaus annehmbare Geschichte erzählt, die überdies die Spielzeit von knapp drei Stunden auch tatsächlich benötigt. Damit ist Cameron schon deutlich weiter, als der Großteil seiner Kollegen, die um aktuelle technische Möglichkeiten offenbar nur allzu schnell eine halbgare Handlung herumstümpern.

Doch die Bilder in “Avatar” sind die eigentliche Revolution: In 3-D gedreht macht dieser Film auch nur in ausgewiesenen 3-D-Kinos wirklich Sinn. Alles andere ist in etwa so sinnvoll, wie BluRays auf alten Röhrenfernsehern anzuschauen. Der überwiegende Teil der Bilder entstammt aus dem Computer und – so klar dies wohl auch jedem Betrachter ist – man sieht es den Bildern oftmals nicht mehr an. Der Film, der zum großen Teil im Studio gedreht wurde, vermag dank Computer eine Welt zu zeigen, die alles andere, als digital oder im Studio nachgebaut erscheint. Der Dschungel von Pandora – ein digitales Produkt – wirkt derart real, das man ernsthafte Zweifel an der Aussage Camerons hegt, es tauche keine einzige reale Pflanze im Film auf. Das Dreidimensionale vermag schließlich das Kino, so wie wir Alle es bisher kennen, völlig zu revolutionieren. Die Leinwand wird nicht mehr zur Grenze zwischen unserer Welt und der Welt des Films. Beide Räume verschmelzen miteinander. Was man einstmals als Bewegung der Kamera durch das Filmbild wahrgenommen hat, verschwindet. Stattdessen beginnt der Raum des Films sich selbst zu bewegen, sich vor unseren Augen im wahrsten Sinne des Wortes auszubreiten. Die starre Distanz des Zuschauers zur projizierten Welt ist im Begriff, abgeschwächt zu werden (hier kann natürlich nicht vom Verschwinden die Rede sein, denn eine grundlegende Distanz bleibt doch stets erhalten). Doch die Filmwissenschaft wird ihre Mühe haben, mit den alten Begriffen weiter zu operieren: Was ist denn noch die Tiefenschärfe, die bei Jean Renoir und Orson Welles so gefeiert wird im Vergleich zu “Avatar”? Ein Blick von den “fliegenden Bergen” hinab in die Schluchten von Pandora vermag Tiefe im Bild präsent werden zu lassen, wie sie bislang definitiv noch nicht gezeigt werden konnte. “Avatar” bedingt ein völlig neues Sehen im Kino, vermag völlig neue emotionale Interaktionen hervor zu rufen. Dies alles ist, wie bereits erwähnt, noch nicht mit der nötigen Perfektion auf narrativer Ebene verwoben und dennoch ist “Avatar” als Anfang der erste Schritt in die richtige Richtung.

Interessiert an der neuen Technik, die James Cameron zum Einsatz gebracht hat, waren etliche Kollegen während der Dreharbeiten am Set von “Avatar”: David Fincher zeigte enormes Interesse an der High-Defintion-Fotografie, Steven Spielberg war ebenfalls zu Besuch am “Avatar”-Set und Ridley Scott denkt nach seinem Rundgang durchs “Avatar”-Studio offenbar ernsthaft wieder darüber nach, einen Science-Fiction-Film zu drehen. James Cameron wollte mit “Avatar” die Technologie für das Kino vorantreiben und war dementsprechend über jeden interessierten Kollegen hoch erfreut. Die Besucher am Set lassen dabei durchaus hoffnungsvoll in die Zukunft blicken, darf man bei den genannten Herren einmal mehr auf einen verantwortungsvollen Umgang mit der neuen Technik hoffen. Und die Lösung der narrativen Probleme vermag man hier durchaus auch in greifbarer Nähe sehen…Insbesondere Fincher hat sich bis heute, trotz größerer Produktionen, wie “Benjamin Button” eine gewisse anspruchsvolle Eigenständigkeit im Haifischbecken der Studios bewahrt und gar Großaufträge, wie seiner Zeit “Mission Impossible 3″, dankend abgelehnt!

Zurück zu “Avatar”: Erfolg vorausgesetzt will Cameron eine Fortsetzung nicht ausschließen. Es ist gar von einer Triologie die Rede. Warum nicht? Der Regisseur ist lernfähig und hat schon nach “Terminator” schon einmal bewiesen, wie er mit einer Fortsetzung das Original noch deutlich übertreffen kann (“Terminator 2- Judgement Day”). Und auch Camerons Fortsetzung zu Ridley Scotts ohnehin genialem “Alien” – “Aliens 2 – Die Rückkehr” – ist einmal mehr eine der wenigen Fortsetzung, bei der niemand auf die Idee kommen würde, Sinn und Daseinsberechtigung des zweiten Teils infrage zu stellen. Warum sollte Cameron also kein hervorragender zweiter “Avatar” gelingen? Finanziell spricht schon jetzt Einiges für eine Fortsetzung: 237 Mio US-$ Produktionskosten erscheinen zuweilen schon wieder lächerlich gemessen an den aktuell mehr als 760 Mio US-$ Einnahmen weltweit (Stand: 1.1.2010, Quelle: www.the-numbers.com). Aber bis zum “Titanic”-Erfolg ist es freilich noch ein weiter Weg: Bei dem Film benötigte Cameron “nur” 200 Mio US-$, spülte dem Studio aber mehr als 1.8 Milliarden (!!) US-$ in die Kassen – soviel wie noch kein anderer Film bislang umgesetzt hat!! Und dennoch: Mit dem derzeitigen Einspielergebnis hat es “Avatar” bereits jetzt in die Top 50 der erfolgreichsten Filme aller Zeiten geschafft – und dies nach nur 12 Tagen seit der Premiere am 17.12.09!!!! Läuft die Kinoauswertung weiter derart erfolgreich, rast “Avatar” in der kommenden Woche bereits in die Top 20 der erfolgreichsten Filme aller Zeiten. Das produzierende Studio – 20th Century Fox – ist damit auf dem besten Weg, das derzeit noch erfolgreichste Hollywood-Studio Warner Bros. vom Thron zu stoßen. Es bleibt auch aus finanzieller Sicht durchaus spannend…

Update (8. Januar 2010): “Avatar” ist bislang noch nicht einmal einen Monat in den Kinos weltweit zu sehen, hat es bis heute jedoch bereits auf geradezu unglaubliche Einnahmen von 1.141 Milliarden US-$ gebracht. Damit ist der Film auf der Liste der erfolgreichsten Filme aller Zeiten bereits jetzt – knappe 3 Wochen nach seiner Premiere – auf Platz 2 gelandet. Vor Camerons “Avatar” steht auf dieser Liste als einziger “Konkurrent” nunmehr nur noch Cameron selbst, der 1997 mit “Titanic” für damalige, wie auch für heutige Zeiten unfassbare 1.8 Milliarden US-$ einspielte. Die Liste zeigt zudem, dass “Avatar” also schon jetzt Filme wie “The Dark Knight”, sämtliche “Harry Potters”, den “Herr der Ringe – Die Rückkehr des Königs” oder “Fluch der Karibik” locker hinter sich gelassen hat. Wenn “Avatar” dann schließlich auch irgendwann mal auf DVD und BluRay erscheint – zum Leihen und zum Kaufen, wenn er via VOD, im PayTV und schließlich im Free-TV sein Geld aus dem Rechteverkauf eingespielt hat, dürfte der unerreichte Rekord von “Titanic” wohl die längste Zeit Bestand gehabt haben. Bei dem ungebrochenen Einnahmerekord, der seit Mitte Dezember nunmehr weltweit anhält und das Geschehen an den Kinokassen bestimmt – und überdies der Konkurrenz, also jedem anderen Film inzwischen Kopfschmerzen bereitet, kann allmählich tatsächlich davon ausgegangen werden, dass “Avatar” wohl der erste Film sein könnte, der mehr als 2 Milliarden US-$ einspielen wird…

Andere Filme, die sich stilistisch ähnlich versuchten, waren nicht unbedingt schlechter, konnten solch ein Ergebnis aber selbstredend kaum mehr toppen. Da wären J.J. Abrams “Cloverfield” ebenso wie der geniale “[REC]” zu nennen. Letzterer war dann sogar so genial, dass man ihm in den USA, sozusagen zeitgleich zur europäischen Kinoauswertung (“REC” ist aus Spanien) ein US-Remake (“Quarantäne”) spendierte. Finanziell blieben die genannten Filme trotz minimalen – oder sagen wir: überschaubareren – Budgets sicherlich hinter den Erwartungen zurück. Nun hat es aber offenbar doch nochmal ein Film geschafft, an “Blair…” zu erinnern und zwar aus inhaltlicher, stilistischer und eben auch und vor allen Dingen aus finanziller Sicht: “Paranormal Activity”.

Eigentlich schon 2007 fertiggestellt, lief er zunächst nur auf einem Festival und später in 12 (!) Städten in den USA in den Mitternachtsvorstellungen. Dies hätte es auch schon sein können, doch der Film sorgte für eine unglaubliche Word-to-Mouth-Propaganda und so war es letztlich das Publikum, das dem Film soviel Aufmerksamkeit zuteil werden ließ, dass auch Hollywood aus seinem selbstsicheren “Profi”-Schlaf mal aufwachen musste. Zunächst bei Miramax auffällig geworden spielte man später Steven Spielberg eine Kopie des Films zu, der sofort bereit war, dem israelischen Regisseur Oren Peli ein größeres Budget für ein Remake zur Verfügung zu stellen. Peli – aufgemerkt! – lehnte aber ab und schlug stattdessen vor, lieber seine Schnittfassung direkt vor großem Publikum zu zeigen. Glücklicherweise ließ sich Spielberg überzeugen und kaufte die Rechte an dem Film. Den 11.000 US-$ Produktionskosten stehen inzwischen mehr als 104 Mio. US-$ an Einnahmen, allein an den US-Kinokassen gegenüber. “Paranormal Activity” ist damit auf dem besten Wege, zum finanziell erfolgreichsten Film aller Zeiten zu werden. Und dies zu Recht!

Über den Inhalt soll hier gar kein Wort verloren werden, nur so viel: Ein junges Paar zieht zusammen und wird nächtlich von merkwürdigen Geräuschen geplagt. Also kauft man eine Kamera, um sich beim Schlafen zu Filmen und zu sehen, was da im Haus vorgeht. Was die Beiden in den folgenden Nächten dann zu sehen bekommen, lässt das Blut in den Adern gefrieren.

Wie schon angemerkt, die Idee erinnert an “Blair…” und man mag dem Film eine gewisse Ideenlosigkeit vorwerfen – dennoch macht er Einiges besser als sein Vorbild. Da wären die Darsteller zu nennen, die natürlich, ganz der Idee des Films verpflichtet, so natürlich wie möglich wirken sollen und daher Laien sind. Teilweise ohne feste Dialoge improvisieren die Beiden perfekt ihr Spiel um die nächtlichen Attacken. Auch “Blair…” versuchte sich an Laien, dort waren diese teilweise doch irgendwann recht nervig. Dann wäre da die Kamera selbst. Da diese hier während der Nachtaufnahmen auf einem Stativ angebracht wird, ist der Film nicht derart überladen mit verwackelten Handkamerabildern, die gerade in “Blair…” doch hin und wieder störend und unangenehm beim Betrachten sind. Und schließlich: Wenn das große Thema die Angst ist, dann platziert “Paranormal…” diese wesentlich greifbarer und beängstigender als “Blair…”. Das Böse ist nicht irgendwo da draußen, wo ich gerade nicht bin und im Dunkeln auch nicht hingehe, es ist hier drin bei mir, in meinem Schlafzimmer, während ich hilflos daliege und schlafe – DAS ist wahrhaft furchteinflösend! Damit ist der Film ganz und gar Sigmund Freud verpflichtet, der “Das Unheimliche” vor allem im Vertrautesten ausmacht. Das Gewöhnliche, Vertraute, Private – kurz das Heim, das Heimliche – verkehrt sich von einer Sekunde auf die Nächste und wird unheimlich. Diesen Terror müssen die beiden Protagonisten und mit ihnen wir Zuschauer durchleiden. Denn die auf dem Stativ montierte Kamera löst sich von jeglicher subjetkiver Perspektive. Sie wird zum Maschinenauge, zum “Monitoring” im Sinne Stanley Cavells, die Alles – wirklich Alles – kommentarlos aufzeichnet. Damit wird zugleich unsere Lust am Zusehen provoziert und befriedigt, wenngleich der Film dann letztlich kaum etwas zeigt. Und doch drückt es uns in den Kinosessel, zaubert eine Gänsehaut auf unserem Körper und lässt uns für einem Moment erstarren.

Endlich wieder ein Horrorfilm, der sein Publikum mitnimmt, Emotionen auslöst! Wann hat man sowas schon erlebt? Der Hype um “Paranormal Activity” ist also tatsächlich wohlbegründet und man nur Jedem raten, sich den Film anzusehen. Eventuell könnte man dann jedoch nachts hin und wieder etwas unruhiger schlafen als bisher. Die Bilder des Films legen sich als Schablone des Unheimlichen vor unsere Augen und führen uns die eigenen Urängste wieder vor. Genau dabei versagt schließlich “Blair Witch Project”, weshalb dieser Film hier eindeutig die bessere Wahl ist.

Damit soll er ja nicht auf “Pulp Fiction” reduziert werden. Ganz im Gegenteil! Ein Regisseur, wie Tarantino, der sich gerade keinem Genre zuweisen lässt, soll sich ja auch nicht ständig wiederholen. Er soll aber qualitativ daran anknüpfen, was er schonmal zeigen konnte. Und dies schafft Tarantino seit Jahren leider nicht mehr. Wieder muss man sagen, dass der Film handwerklich grandios ist, Tarantino ist und bleibt ein guter Regisseur, hat den richtigen Blick für die besten Einstellungen, versteht es, wundervolle Bilder zu schaffen, weiß mit der Montage gekonnt zu arbeiten. Nur Eines kann er eben leider überhaupt nicht, macht es aber trotzdem andauernd: Drehbücher schreiben. So gern er sich vielleicht in der Rolle sieht, lieber Alles allein zu machen, würde es ihm und seinen Filmen einfach besser stehen, wenn er sich aufs Regie führen beschränkt und das Schreiben jemandem überlässt, der was davon versteht. So verkommt auch “Inglorious Basterds” zur Nummernrevue, die zwar schon deutlich mehr Handlung und narrative Verstrickungen aufweist, als die beiden Vorgängerfilme, vieles von dem Gezeigten jedoch einfach seine Überflüssigkeit nicht verstecken kann.

Fünf Kapitel umfasst der neue, wieder einmal viel zu lang gewordene Tarantino-Film, bei dem vor allen Dingen eines nicht so richtig aufkommen will: Spannung. Das komplette zweite Kapitel kann dabei im Grunde genommen vollständig weggelassen werden, und es würde dem Film tatsächlich eher dienlich sein, als das es ihm fehlen würde. Dabei beginnt alles so hoffnungsvoll: Oberst Hans Landa, grandios genial gespielt von Christoph Waltz, tritt als “Nazijäger” in Erscheinung und verbreitet eine Spannung, die selbst dem Zuschauer im Kinosaal die Kehle zuschnürrt und den Atem stocken lässt. Es ist überdies unglaublich, dass erst ein Quentin Tarantino nach Europa kommen muss, um Waltz aus seinem Schattendasein in “Polzeiruf 110″ und “Tatort” zu befreien, um ihm den Platz auf der Leinwand einzuräumen, der seinem Können gerecht wird. Leider überträgt sich dieses Können nicht auf die übrigen Darsteller, ebensowenig wie die Spannung nicht auf den Rest der Narration überspringt. Zwar kommt genau diese Beklemmung, die einzig und allein dank Waltz durch den gesamten Film getragen wird, immer wieder auf, sobald er auch nur auf der Leinwand auftaucht, die übrige Geschichte ist gegenüber dieser Spannung jedoch leider resistent.

Resistenz ist dabei ein gutes Stichwort, in Bezug auf das schauspielerische Können von Diane Kruger. Es ist schleierhaft, wie jemand, der nun schon mehrfach nachgewiesen hat, nicht schauspielern zu können, immer wieder größere Rollen angeboten bekommt. Die Leistung von Kruger ist in etwa auf DailySoap-Niveau, à la “Gute Zeiten Schlechten Zeiten”, wobei sich der Cast in Deutschlands dienstältester Seifenoper über die Jahre immerhin entwickelt hat und besser geworden ist. Kruger hingegen stapft und quatscht so unbeholfen durchs Bild, das man sich übergeben könnte. Freud und Leid liegen so dicht bei einander. Vielleicht sollte sich Kruger nochmal ansehen, was die sieben Jahre jüngere Mélanie Laurent in “Inglorious Basterds” zu leisten vermag. Im Gegensatz zu Krugers völlig übertriebener und hölzerner Darstellung, die eher einer Selbstinszenierung gleicht, trotzt Laurent nur so vor Authentizität. Sie vermag durch ihr bloßes Auftauchen auf der Leinwand, ohne ein einziges Wort zu sprechen, vielmehr auszusagen, als Kruger mit ihrem unbeholfenen Amateurspiel.

Leider kommt auch Brad Pitt überhaupt nicht an sonst vom ihm gewohnte Qualitäten heran. Sein Charakter wirkt einmal mehr derart überzeichnet und klischeeüberladen, dass hier die Ausrede, dies würde die Rolle so erfordern, nicht gelten darf. Ein Profi, wie Pitt, kann einen Charakter ironisierend überzeichnen, ohne dass dabei ein solch plumpes Auftreten herauskommt, wie in diesem Falle. Da wird Pitt doch glattweg von Tarantinos Regie-Kumpel Eli Roth (“Hostel”; “Cabin Fever”) an die Wand gespielt. Auch sein Charakter muss dem Drehbuch entsprechend überzeichnet sein, Roth schafft dies aber bedeutend besser als Pitt. Vielleicht sollte sich Roth auch mal überlegen, das Regieführen sein zu lassen und zukünftig noch stärker als Schauspieler aufzutreten. Da dürfte wohl noch Einiges zu erwarten sein. Überraschend positiv fällt zudem Daniel Brühl auf, der in seiner Rolle wahrlich aufzugehen scheint. Und es steht ihm sichtlich gut, sich mal nicht in pseudo-intellektuellen deutschen Filmchen unter Wert zu verkaufen, um hier eine seinem Charakter eigentlich durchaus unpassende Rolle zu übernehmen. Schade nur, dass die Person, die Brühl prima umgesetzt hat, aus narrativer Sicht einmal mehr nicht nötig gewesen wäre. Dies ist aber erneut ein Manko am überaus schwachen Drehbuch und soll Brühl keinesfalls zu Lasten gelegt werden.

Man ist nunmehr etwas zwiegespalten, was die Empfehlung für oder wider dieses Films anbelangt. Eigentlich ist er schlussendlich, allein schon wegen Christoph Waltz unbedingt eine Empfehlung wert. Abgesehen davon fehlt es dem Film aber einfach am nötigen Biss, um den Zuschauer über die gesamte Laufzeit bei Laune zu halten. Gerade Waltz´ Darstellung lässt dabei eine Frage aufkommen: Wie gut wäre der Film denn tatsächlich noch, wenn Christoph Waltz nicht mitspielen würde? Und wieviele Leute würden sich den Film überhaupt noch ansehen, wenn Tarantino nicht Regie geführt hätten? Es sind die üblichen Fragen, die in letzter Zeit bei jedem Tarantino-Film gestellt werden und sie sind durchaus berechtigt. Auch wenn ein echter Fan dies nicht wahrhaben will. Aber die Filme würden kaum ein Massenpublikum begeistern und erst Recht wäre “Inglorious Basterds” ohne Waltz kaum noch der Rede wert. Es wäre dann nichts weiter, als ein übertriebener, kaum Ernst zu nehmender Trash-Film, der als Direct-To-Video-Veröffentlichung ein Schattendasein in den unteren Reihen der Videothekenregale fristen würde. “Inglorious Basterds” hat aber zu seinem Glück Chrisoph Waltz und Tarantino. Insofern ist der Regisseur, nach zwei völlig missglückten Filmen, zumindest dieses Mal auf dem Weg der Besserung. Objektiv betrachtet ist “Inglorious Basterds” aber bestensfalls schlechtes Mittelmaß. Müsste man Schulnoten vergeben, bekäme dieser Film eine 3-, und nach allem, was man von Tarantino zuletzt zu sehen bekam, ist dies ein überaus positives Lob an seinen neuen Film. Mehr sollte man aber einfach nicht erwarten und weiter darauf hoffen, dass Tarantino wieder besser wird und sich vielleicht mal dazu entscheiden kann, ein gutes Drehbuch von einem guten Autor zu verfilmen. Das könnte wirklich klappen.

Und schon kündigt sich das zweite Highlight dieses Sommers an, welches so sicherlich niemand auf seiner Liste hatte: “District 9″, in den USA gerade angelaufen, in Deutschland für den 22. Oktober vorgesehen, spielte an seinem Startwochenende schonmal locker seine Kosten wieder rein. Nun muss dabei natürlich erwähnt werden, dass der Film ohnehin nur lächerliche 30 Mio US-$ gekostet hat. Am Startwochende kamen an den Kinokassen der USA aber immerhin beachtliche 37.4 Mio US-$ zusammen, was somit auch gleich direkt auf Platz 1 der dortigen Charts führte. Da hatte selbst der große Hype um “G.I. Joe” keine Chance mehr. Der Film erstaunt umso mehr, da dies mal wieder ein atemberaubendes Beispiel dafür ist, wie man Filme auch noch preiswert herstellen kann und diese dennoch gut aussehen können. Zumindest muss dieser Film allein mit Blick auf dessen Optik und Design keine Vergleiche mit Hollywoods Blockbustern scheuen. Und wenn man bedenkt, dass dieser Film hier gerade einmal 30 Millionen gekostet hat, “Transformers 2″ aber locker 230 Mio. US-$ verbraten hat, dann muss man sich, abgesehen von den sicherlich hohen Stargagen doch fragen, wo all die Gelder hinwandern, die Effekte allein können es definitiv nicht sein.

Aber worum geht es eigentlich: 30 Jahre ist es nun schon her, als Aliens auf der Erde gelandet sind. Aber der sonst im Sci-Fi-Genre übliche Angriff auf die Menschheit bleibt aus. Genau genommen passiert nichts, denn die Aliens selbst sind Flüchtlingen, die als letzte Überlebende ihres Planetens Zuflucht auf der Erde suchen. Die Erdlinge reagieren, wie Erdlingen offensichtlich reagieren müssen: Das Raumschiff wird inklusive Aliens nach Südamerika gebracht und dort in einem abgesperrten Gebiet – dem Distric 9 – von der übrigen Menschheit abgeschirmt. Eine eigens für dieses Gebiet abgestellte Spezialeinheit, die Multi-National United (MNU) übernimmt die Kontrolle über District 9. Diese Gruppe verfolgt jedoch ganz eigene Ziele, man will sich die Waffen der Aliens einverleiben. Das Problem: Diese Waffen lassen sich nur mit der DNA der Aliens aktivieren. Als sich ein Agent der MNU mit einem Virus aus dem Raumschiff infiziert, verändert dies dessen DNA. Eine folgenschwere Veränderung, denn er wird somit zum Schlüssel für die Technologien der Aliens…

Einen großen Namen hat “District 9″ immerhin zu bieten: “Herr Der Ringe”-Regisseur Peter Jackson steht als Produzent hinter dem Projekt. Abgesehen davon setzt man auf neue, unbekannte Gesichter, was inzwischen durchaus sinnvoll ist, wenn man einem Film mehr Qualität verleihen will. Die etablierten Mimen aus Hollywood vermögen in letzter Zeit offensichtlich nur noch sich selbst zur Darstellung zu bringen. Auch der Regisseur liefert hier sein Debüt ab: Neil Blomkamp ist 29 Jahre jung, geboren in Johannisburg und steht den etablierten Regiegrößen in Hollywood offensichtlich in nichts nach. Aber genug der Worte. Lasst die Bilder sprechen: